Il dipinto "La nascita di Venere" realizzato probabilmente nella metà degli anni Ottanta del Quattrocento dall'artista italiano Sandro Botticelli. Raffigura la dea Venere che arriva sulla riva dopo la nascita, quando è emersa dal mare ormai divenuta completamente matura. Il dipinto è attualmente in esposizione presso La Galleria degli Uffizi.

Sebbene non si tratti di una coppia, il dipinto è sempre associato alla Primavera, un altro grande dipinto mitologico di Botticelli agli Uffizi. Sono tra i dipinti più famosi al mondo e simboli del Rinascimento italiano. Come grandi raffigurazioni di soggetti della mitologia classica, praticamente mai viste nell'arte occidentale di quel periodo, così anche le dimensioni e l'importanza di una figura femminile nuda non hanno precedenti. Si credeva che entrambi fossero stati commissionati dallo stesso membro della famiglia Medici, ma all'oggi si hanno dubbi a riguardo.

I temi principali che gli storici dell'arte hanno esaminato sono: l'emulazione dei pittori antichi e il contesto delle cerimonie nuziali, l'influenza del neoplatonismo rinascimentale e l'identità dei committenti. La Nascita, a differenza della Primavera, non richiede una comprensione approfondita come concordano molti storici dell'arte. Il significato principale del dipinto è un'interpretazione semplice, anche se individuale, di una scena tradizionale della mitologia greca. Il fascino è dato dalle sensazioni e dalla sensualità il che spiega anche la sua grande popolarità.

L'opera "La Nascita di Venere"

Al centro, una enorme conchiglia di capesante ospita la giovane dea Venere nuda. Le dimensioni della conchiglia non sono reali e sono presenti anche nelle rappresentazioni classiche del soggetto. A sinistra, il dio del vento Zefiro soffia su di lei, con linee che si irradiano dalla sua bocca che rappresentano il vento. Una giovane donna soffia anch'essa, ma con meno forza, mentre è in aria. Entrambi possiedono ali. È probabile che Vasari avesse ragione nell'etichettarla come "Aura", simbolo di un vento più leggero. I due stanno lavorando insieme per spingere Venere verso la riva, così come i capelli e i vestiti delle altre figure sulla destra.

A destra, una figura femminile, che vola leggermente sopra il suolo, offre un abito o un ricco mantello per coprire Venere quando raggiungerà la riva, come sta per fare. Si tratta di una delle tre Horae o Ore, dee minori greche che rappresentano le stagioni e altre divisioni del tempo, oltre ad essere uno degli assistenti di Venere. La decorazione floreale del suo vestito indica che è la stagione della primavera. In posizione opposta a Venere, sta in piedi e sembra rilassata e entusiasta per l'arrivo di Venere.

Il dipinto presenta nomi alternativi per le due figure femminili secondarie. È possibile che la ninfa che Zefiro tiene in braccio sia Chloris, una ninfa dei fiori che ha sposato in alcune delle sue storie, mentre la figura sulla terraferma sia Flora. La parola "Flora" è generalmente l'equivalente della parola greca "Chloris". Secondo i Fasti di Ovidio, Chloris si trasforma nella figura di Flora accanto a lei durante la primavera, ma è difficile prevedere una simile trasformazione qui. Ma per Chloris, le rose soffiate e le due figure volanti sarebbero perfette.

Il soggetto non è la "Nascita di Venere", che il dipinto ha ottenuto solo nell'Ottocento, ma la scena successiva della storia, in cui Venere arriva sulla terraferma spinta dal vento. La terraferma è probabilmente Citera o Cipro, le isole del Mediterraneo che i Greci pensavano fossero le terre di Venere.

Tecnica

Il dipinto è di grandi dimensioni, ma leggermente più piccolo della Primavera. È dipinto su tela, di un materiale più economico rispetto alla Primavera. La tela stava diventando sempre più popolare, soprattutto perché i dipinti destinati alle ville di campagna, progettati per il piacere più che per l'ostentazione, erano più semplici, economici e divertenti rispetto a quelli destinati ai palazzi di città.

Il dipinto è realizzato su due pezzi di tela che vengono cuciti insieme prima di iniziare, e il fondo è realizzato in gesso colorato di blu. La mancanza di un primo strato verde sotto le zone di pelle è una delle differenze rispetto all'approccio tipico di Botticelli che lavorava su supporti di tavola. La ricerca scientifica contemporanea ha rivelato alcuni punti di pentimento. La Hora aveva originariamente "sandali classici bassi", ed il collare del mantello è un ripensamento. La coppia volante e Venere hanno subito un cambiamento di capelli. L'oro viene ampiamente utilizzato come colorante per le lumeggiature dei capelli, delle ali, dei tessuti, della conchiglia e del paesaggio. Sembra che tutto ciò sia stato fatto dopo l'incorniciato del dipinto.

Il colore verde, utilizzato per le ali di Zefiro, la sua compagna e le foglie degli alberi, si è gradualmente scurito con l'esposizione alla luce nel corso del tempo. Andando a distorcere in qualche modo il previsto equilibrio dei colori. Alcune foglie nell'angolo in alto a destra, che sono coperte dalla cornice, erano meno intaccate. Anche il blu del cielo e del mare hanno perso luminosità.

Stile

Sebbene la posa della Venere sia per certi versi classica, il trattamento generale della figura, che si erge decentrata con un corpo dalle linee lunghe e fluenti, deriva per molti aspetti dall'arte gotica. L'intero corpo ha una curvatura simile a quella di un avorio gotico. Non possiede l'aplomb, una qualità molto apprezzata nell'arte classica. In altre parole, il peso del corpo non è distribuito in modo uniforme ai lati di un filo a piombo centrale.

Il corpo di Venere non rispetta le proporzioni, con il suo collo e il suo busto allungati. La sua posa è impossibile: nonostante la sua posizione classica contrapposta, il suo peso è troppo spostato sulla sua gamba sinistra per mantenere la posa. Nessuna delle figure proietta ombre e i venti a sinistra non hanno senso nelle loro pose e proporzioni. Piuttosto che essere molto attento alla rappresentazione realistica, il dipinto mostra il mondo dell'immaginazione.

L'arte di Botticelli non si è mai impegnata al naturalismo. Botticelli raramente ha utilizzato uno spazio prospettico profondo o ha aggiunto volume e peso alle sue figure. Sebbene Botticelli non abbia mai dipinto gli sfondi dei paesaggi in modo così accurato o realistico, ciò non avviene in questo dipinto. Il paesaggio sembra fuori scala rispetto alle figure. L'erba sottostante e gli alberi di alloro sono verdi con riflessi dorati; la maggior parte delle onde ha un andamento regolare.

Interpretazioni de "La nascita di Venere"

L'opera contiene un'allegoria neoplatonica basata sull'idea di amore come energia vitale e forza motrice della natura.

Per i contemporanei, la nudità della dea non rappresentava una esaltazione pagana della bellezza femminile, ma la nozione di Humanitas, intesa come bellezza spirituale che simboleggia la purezza, la semplicità e la nobiltà dell'anima. Non a caso è stato fatto un paragone tra Venere e l'anima cristiana, che nasce dalle acque del battesimo. La figura della dea e la posa di Venus pudica rappresenterebbero la personificazione della Venere celeste, simbolo di purezza, semplicità e bellezza disadorna dell'anima.

In un'altra interpretazione, il quadro è collegato alla necessità di rappresentare la nascita di una nuova medici: Maria Margherita. L'idea che la rappresentazione possa essere interpretata attraverso canoni cristiani con evidenti contaminazioni neoplatoniche, derivante dall'influente accademia fiorentina, è una delle interpretazioni più recenti. Questa interpretazione porta ad un pensiero basato sulla geografia, che collega agli eventi che precedono la scoperta e la rivelazione del Nuovo Mondo.

Anche Giulio Carlo Argan sottolinea la corrispondenza tra il mito della nascita di Venere dall'acqua marina e l'idea cristiana della nascita dell'anima dall'acqua del battesimo, tra i significati impliciti del dipinto. La nudità di Venere è associata alla semplicità, alla bellezza e alla purezza. Gli elementi naturali (acqua, aria e terra) sono rappresentati; La conchiglia è simbolica. Il dèmone platonico, il furore malinconico, che Marsilio Ficino chiamava malinconicus, guida il ritmo che permea l'opera. Questo furore deriva dall'aspirazione a qualcosa che non esiste o dalla nostalgia di qualcosa che si è perduto.